著者

譲原 晶子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.69, no.1, 2018

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The arabesque, a figure symbolic of ballet, was first defined as body attitude by Italianballet master Calro Blasis. Falcone discusses a strong influence on Blasis' theoryfrom artists who took inspiration from the frescoes of Herculaneum excavated in themiddle of 18th century, when the concept 'arabesque' was introduced into dance. Thisessay revisits the prehistory of arabesque from a different perspective than Falcone's,focusing the close relation of the decorative art to dance from the 17th century,especially its relation to mascarade and dance notation. With this view, I study texts,in which 'arabesque' is referred to, by leading 18-century choreographers Noverre,Dauberval and Pierre Gardel and examine their different interpretations of the term,taking into account the fact that 'arabesque' was a synonym of 'grotesque' at that time.I also delve into the functions of the constructional elements, lines and figures, ofarabesque in the decorative art and how their counterparts of arabesque in ballet work.Finally, regarding arabesque in ballet as a kind of device for transforming the body froma present figure into another, I argue that Blasis' arabesque could first emerge when thedancing body was to be made through technique, not through disguise.

著者

樋口 聡

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.55, no.2, pp.1-13, 2004-09-30 (Released:2017-05-22)

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The question of whether or not sport is art has been discussed by many scholars of the philosophy of sport. Taking this discussion into account, we now know that a simple conclusion regarding sport as art is not adequate, because it is clear that there is a politics of culture concerning sport and art behind the discussion. In this paper, the author summarizes this broader, background discussion as the context for critically reviewing Wolfgang Welsch's paper "Sport-Viewed Aesthetically, and Even as Art?" (XIVth International Congress of Aesthetics, 1998). Specifically Welsch considers modern sport as an example of today's aestheticization of the everyday, and regards sport as art. An important matter we should pay attention to in Welsch's paper is that he proposes two different concepts of art, that is: "art-art" and "sport-art." Welsch's strong point is that he clarifies the ambiguity of the contemporary concept of art and suggests a broad extension of the notion of art beyond the traditional concept of art through the discussion of the relationship between sport and art. Welsch's discussion is based on his idea of "recurrence" to the original meaning of aesthetics, aisthetis.

著者

圀府寺 司

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.39, no.3, pp.49, 1988-12-31 (Released:2017-05-22)

著者

高久 馨

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.61, no.2, 2010

著者

栗山 守正

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.54, no.3, 2003

著者

伊藤 久恵

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.47, no.4, pp.46-57, 1997

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In der letzten Halfte des 19. Jahrhunderts sind verschiedenartige Kunstwissenschaften wie die Wissenschaft fur bildende Kunst erschienen. Man kann auch sagen, dass die empirischen, positiven Kunstwissenschaften der traditionellen Asthetik uberlegen geworden sind. Guido Adler (1855∿1941) war einer der Musiwissenschaftler, die in dieser Zeit gelebt haben und versucht haben, Musikgeschichte als "Wissenschaft" zu systematisieren. Mit in Betracht Ziehung der damaligen Geistes- und Naturwissenschaft war er bemuht, die Methode der Musikgeschichte aufzustellen. Er hat seinen Blick auf die Stilfragen, die damals schon ein Thema in der Wissenschaft fur bildende Kunst waren, gerichtet. In seinen zwei Schriften 『Stil in der Musik』 (1911) und 『Methode der Musikgeschichte』 (1919) hat er den Begriff "Stil" neu in die Musikwissenschaft eingefuhrt. Das Ziel seiner musikhistorischen Forschung war die Erklarung der eigenen Entwicklungsgesetze der Musikgeschichte und der Stilzusammenhange in musikalischen Werken. Er hat dadurch den neuen Gedanken "Stilkritische Musikgeschichte" gepragt.

著者

小林 信之

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.49, no.1, pp.1-12, 1998-06-30 (Released:2017-05-22)

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Das Thema "Martin Heideggers Denken und das asthetische Problem des Schonen" weckt vielleicht den Eindruck, als seien hier zwei sich fremden Sachen zwangsweise zusammengefugt worden. Aber die Frage nach dem Wesen des Schonen und der Kunst spielt eine einschneidende Rolle in der denkerischen Wende Heideggers in der Zeit seiner "Nietzsche"-Vorlesungen. In dieser Abhandlung beschaftigte ich mich besonders mit der zum erstenmal von Kant getroffenen Bestimmung des Schonen auf Grund des Wohlgefallens "ohne alles Interesse". In dieser Interesselosigkeit im Schonen, die danach wiederum von Schopenhauer in bestimmter Weise ausgelegt und spater von Nietzsche in Zur Genealogie der Moral scharf kritisiert wurde, sieht Heidegger "die hochste Anstrengung unseres Wesens" und "die Befreiung unserer selbst zur Freigabe dessen, was in sich eine eigene Wurde hat." Zwar gehoren fur Heidegger, sowohl die Kantische Asthetik des Schonen als auch Nietzsches Lehre von "Wille zur Macht" als Kunst zur neuzeitlichen Subjektivitat und damit in die Geschichte der abendlandischen Metaphysik, aber er weist zugleich darauf hin, dass die dort angesprochenen asthetischen Zustande ("Lust der Reflexion" bei Kant und "Rausch" bei Nietzsche) die Moglichkeit eines wesentlichen Bezugs zum Sein eroffnen. In dieser Hinsicht kann man ein ambivalentes Verhalten Heideggers zum abendlandischen Begriff des "Schonen" erkennen.

著者

望月 典子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.52, no.4, pp.29-42, 2002-03-31 (Released:2017-05-22)

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Le Testament d'Eudamidas a ete peint par Poussin dans la seconde moitie des annees 1640 pour Michel Passart. Le tableau nous montre, suivant le recit de Toxaris ou De l'amitie de Lucien, le soldat Eudamidas dictant ses dernieres volontes sur son "lit de mort". Il s'agit d'un episode concernant l'amitie, mais que l'on ne peut comprendre a partir de la seule image. Cet article voudrait proposer l'idee que Poussin a eu l'intention de representer un modele de la bonne mort pour inviter les spectateurs a vivre toujours calmement en pensant la mort. Le mode de vie stoicien etait repandu chez les bourgeois de Paris comme Passart. Cette hypothese est verifiee par rapport au "Ars Moriendi" apparu au XVe siecle et qui connut un regain de popularite au XVIIe siecle. Ces livres de foi montraient aux fideles un modele de la mort du bon chretien. En outre, le fait que ce tableau etait en harmonie avec "le mode dorique" convenable aux sujets severes, indique qu'il avait une fonction moralisatrice. D'apres "la theorie des modes" developpee par Poussin en 1647, l'accord entre le sujet et le mode produit de "merveilleux effets" sur les spectateurs. Ces remarques sont extraites du traite de musique de Gioseffo Zarlino, selon lequel l'effet du mode dorique etait d'eveiller chez nous la prudence et la vertu.

著者

笠原 潔

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.46, no.3, 1995

著者

土田 耕督

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.69, no.1, 2018

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In the beginning of the thirteenth century, during the Shin-kokin period, waka poetsfollowed classicism, reusing words and subjects from old poems. At the same time, theywere in pursuit of atarashiki kokoro, or new content. New kokoro does not representperfect newness that has never been composed; it represents content that overlaps withthe classics. Moreover, the word atarashi has ambiguity; while new content is indeedideal, novel subjects and how to use words are avoided. On the other hand, the wordmezurashi means a kind of unexpectedness achieved by using old words in differentcontexts from past works. Mezurashi becomes especially significant in post-Shin-kokinwaka.Nevertheless, since the fifteenth century, old poetry has begun to be ignored, and thefocus has shifted to the kokoro of an individual poet. Atarashi, implying a newness thatnobody has composed before, is emphasised and involves mezurashi. Such idealisationof novelty, which is regardless of differences from the old, brings the modern meaningof 'originality' to medieval waka.However, the classicism of waka never died until the modern era. Autonomoussystems that identify differences from the classics as a norm have existed; thereby wakahas acquired the extendibility and sustainability of composition.

著者

前田 富士男

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.23, no.3, 1972

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Die Kunsttheorien und Werke von Klee wahrend der Bauhaus-Zeit zeigen uns, dass der Begriff der Gliederung in seinem bildnerischen Denken eine grosse Rolle gespielt hat. Bei Klee bedeutete die Gliederung ursprunglich einen Prozess der Schaffung, der durch die Zusammensetzung der formalen Elemente Einzelheiten zu einem Ganzen werden liess. Der Kunstler hat diesen Prozess als die Synthese einer dividuellen und individuellen Gliederung begriffen. Doch befindet sich die dividuelle Gliederung, die einen mathematischen, konstruktiven Charakter hat, in dem Urzustand des Schaffungs prozesses und wird auf dem Weg des Arbeitsprozesses zur lebendigen, individuellen Gliederung erhoben. Dieser Gliederungsbegriff ermoglicht, dass Klee den schopferischen Weg begreift als den werdenden Prozess, die Beseelung der mathematischen Grundform, das Fortschreiten vom Statischen zum Dynamischen. Aber die Notwendigkeit der Kompositionsweise beruht nicht nur auf der inneren Notwendigkeit des Malers, sondern auch in der Resonanz der Gesetzmassigkeit schaffender Naturkraft. Der Verfasser stellte durch die Analyse von zwei Gemalden, "Scheidung abends" und "Wachstum der Nachtpflanzen", diesen Gliederungsbegriff als die Eigenschaft der Formensprache von Klee dar.

著者

原田 佳子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.53, no.3, 2002

被引用文献数

1

著者

今村 信隆

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.66, no.2, pp.49-60, 2015

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The main purpose of this paper is to examine Roger de Piles' Conversations (1677), not only as the consistent theory of paintings, but also as a story, where the characters communicate with each other, looking for some steady grounds for consensus of their tastes. In the first part of Conversations, three characters discuss the proper taste and correct judgement on paintings. Pamphile, the instructor, firstly shows that, in order to obtain sane judgement, it is necessary to argue about various paintings with others, but at the same time not to accept their opinions without the conviction that they are reasonable. However, there is no further explanation of this seemingly important concept, "reasonable" in the whole book. Instead of such detailed explanation, Pamphile affirms that one has to build his taste on the basis of the Antique works' taste which is amended by Nature. Three additional characters in the second part, that is, Caliste, Leonidas, and Philarque respectively can be considered as advocates of the Antique works, Nature, and the Antique works amended by Nature. Here, de Piles do not ask whether each kinds of taste is fundamentally reasonable or not, but depict Caliste as a failure in this honnete conversation.

著者

尾崎 彰宏

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.44, no.3, 1993

著者

大原 親

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.13, no.2, pp.27-37, 1962

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In Kate Hamburgers Kritik gegen R. Ingarden sind zwei bedeutendeste Probleme gehalten : 1 die Wesensbestimmung muss nicht tautologisch sein, 2 die Kunst soll in bezug auf die Wirklichkeit betrachtet werden. Um sich in Tautologie nicht aufzulosen, will Hamburger "nicht nur die Sprache selbst anschauen, sondern hinter oder unter sie sehen." In dem standigen Vergleich der dichtenden mit der nicht-dichtenden will sie die Struktur der Dichtung erarbeiten. In Zusammenhang mit der Stellung der Werkinterpretation wie E. Staiger, W. Kayser will ich die Bedeutung von Hamburgers Methode betrachten, und die Richtung nach zusammenhangende Interpretation in dieser Methode erfinden.

著者

森田 亜紀

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.48, no.3, pp.59, 1997-12-31 (Released:2017-05-22)

著者

礒山 雅

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.50, no.2, pp.49-60, 1999-09-30 (Released:2017-05-22)

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Richard Wagners Buhnenwerke sind eine Art von Variationen um das Thema "Erlosung". Dieser Begriff gewann erst im "Tannhauser" ein grundlegendes Gefuge, und zwar durch eine Unterscheidung zwischen "Heil" und "Erlosung". Diese bedeutet ein tief empfundenes Wiedererlebnis des Leidens Christi am Kreuz. Wagner wollte diese Idee im bemerkenswerten Prosaentwurf "Jesus von Nazareth" (1849), einem Ergebnis seines Studiums vom Neuen Testament, weiterentwickeln. Wagners Erganzungen zum Entwurf machen sein eigenes Jesus-Bild in diesem scheinbar Evangelientreuen Passionsdrama klar. Jesus, der den Titel "Judenkonig" ablehnt, ist der Erloser aller Menschen. Er ubt sein Erlosungsamt durch seine Lehre von der Liebe und sein Opfertod aus. Die Liebe vernichtet das Gesetz, Quelle der Sunde, und bringt den Menschen in seine naturliche Lage zuruck, wo er Gott in sich erkennen kann. Mann soll sich Jesus' Opfertod als Vorbild nehmen, weil dieser eine Aufhebung des Egoismus und die vollendeste Tat der Liebe ist. Es ist erstaunlich, dass Wagner eine solche unrevolutionare Konzeption am Vorabend der Dresdner Revolution vorbereitet hat. Letztlich konzentrierte er sich im "Parsifal" auf dem Erlosungsbegriff. Sein Grundgedanke ist hier als Prozess einer Erreichung dramatisiert. Der Titelrolle lebt das Leiden Christi nach, wird zum Erloser und "erlost" Christus.

著者

森 洋子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.34, no.4, pp.25-40, 1984

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David Garrick dedicated for Hogarth's tombstone an epitaph with the inspired words, "pictur'd Morals". The present author interprets these words as being the embodiment and the key to Hogarth's art. This paper will discuss how Hogarth intended to warn - and to preach to - viewers of his prints about human vices that could be traced back to the medieval Christian iconography of "Seven Deadly Sins". For this purpose Hogarth chose the subject matter of his prints from topics of contemporary newspapers and journals, that is, "modern moral Subject". In my opinion "Pride" can be found in The Bench ; while "Gluttony" in Plate VII of Industry and Idleness, may have been inspired by Bruegel's Fat Kitchen. "Luxury" is one of the main vices in Hogarth's Progresses. The marriage of the Rake with an old, one-eyed, rich but ugly maid reminds one of the Northern tradition of "an unequal couple" of which the most popular pictures were painted by Cranach. Also, Hogarth's A Rake's Progress might be compared with Jacques Callot's series The Prodigal Son which faithfully illustrated a well-known parable. However, Callot's Prodigal Son has a happy ending, while Hogarth leads his Rake-and most of his other protagonists-to a tragic death as a result of their vices. Finally the author will point out that the works of Hogarth's contemporary, Jonathan Richardon (The Theory of Painting, Essay on the Art of Criticism and The Science of a Connoisseur), may have been theoretical sources for Hogarth's notion of the utility of painting, namely for the entertainment and the improvement of the mind. Previous authors have seemingly overlooked this important relationship.

著者

吉成 優

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.62, no.2, 2011

著者

利光 功

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.45, no.3, pp.1-11, 1994-12-31 (Released:2017-05-22)

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From the second half of the 1940's to the first half of the 1960's, as is generally known, the linguistic analytic method has dominated over Anglo-American aesthetics. Recently this aesthetics, now colled anaylitic aesthetics, has been retrospected and reexamined by the various sides. Then, we also would like to analyze and loom up its primitive figure, focussing on the William Elton (Ed.) ; Aesthetics and Language (1954). In our view, analytic aesthetics can be characterized by the following three aspects, that is, its presupposition, theme and aim. (1) Analytic aestheics presupposes that the aesthetic discourse must be fundamentally empirical scientific, and based on the fact or its experience. (2) Its main theme is to analyze the ambiguous concepts and propositions, and to clarify the aesthetic discourse. (3) Its final aim is to take up the position that there is no such thing as essence in art and, therefore, no criterion for the judicial criticism. And J. A. Passmore once called aesthetics which searches for essence or the general properties dreary. Our conclusion, however, is that not aesthetics proper but analytic asethetics is dreary, for the latter never affords any insights about aesthetic or artistic phenomena.