著者

大愛 崇晴

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.57, no.4, pp.55-68, 2007

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Johannes Kepler, one of the most famous astronomers during the period of scientific revolution, illustrates a unique view on consonance in Harmonice mundi (1619). First, Kepler rejects the Pythagoreans' symbolism of numbers (discrete quantity) that defines their concept of harmony and consonance. Instead, he defines consonance using geometrical figures that consist of concrete lengths (continuous quantity), treating numbers only as the values of the lengths. For explaining the concept of consonance, Kepler underlines the function of human soul to recognize harmony. He classifies harmony into two types: "sensible" and "pure." Sensible harmony (i.e., consonance) is realized by the human soul while comparing things that are perceived by sense (i.e., sounds). Pure harmony, on the other hand, functions as the archetype of sensible harmonies. It is an abstract mathematical idea, inherent in the human soul, and it certifies sensible harmonies as such. Moreover, this archetypal harmony is associated with God himself. Thus, Kepler hypothesizes on consonance based on his own metaphysics, which differs from the Pythagoreans' reflections on the subject.

著者

岡本 源太

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.57, no.4, pp.43-54, 2007-03-31

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Dans La chambre claire, Roland Barthes essaie de theoriser sur le ≪realisme photographique≫ (le mot ≪realisme≫ etant a entendre au sens philosophique, et non artistique), autrement dit sur le lien de la Photographic a la realite. Ce lien n'est pas seulement denie (la Photographic n'a pas de realite, mais de l'arbitraire), mais aussi surinterprete (la realite de la Photographic ne consiste que dans la vraisemblance), pour autant que la Photographic est produite et regardee a travers differentes mediations. Or ce deni aussi bien que cette surinterpretation ne font que meconnaltre le realisme photographique tel qu'il est concu par Barthes. Car, selon lui, la Photographic se met en rapport avec la realite par l'intermediaire de la verite de l'image, et la verite, qui se trouve dans la ressemblance, le lignage et l'air, est inseparable des souvenirs et des passions du sujet qui voit une photo. Avec cette theorie du realisme photographique, Barthes tente de sortir de la conception qui oppose l'image au reel, alors que la meme conception marque largement la societe moderne. Si cette conception est toujours dans l'air, comme le fait remarquer d'ailleurs Jacques Ranciere, le realisme photographique de Roland Barthes n'en parait pas moins actuel.

著者

安松 みゆき

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.52, no.2, pp.43-56, 2001

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Das Wiener Opernhaus von Eduard van der Null (Architekt) und August Sicard von Siccardsburg (Bauingenieur) wurde schon seit langem ins besondere von der Kunstund Architekturgeschichte als Gebaude mit unklarem Stil kritisiert, obwohl man es seiner Zeit als das Symbol der Stadt Wien geplant hatte und es sehr bekannt ist. Der Hauptgrund der Kritik ist, dass der Historismus nur die leicht erkennbare Kopie, d.h. den klaren historischen Stil, geduldet hat. Nach der neueren Betrachtung der modernen Architekturgeschichte, wie zum Beispiel der von W. Curtis, hat aber die moderne Architektur den Historismus nicht einfach als Nachahmung der vergangenen Stile abgelehnt, sondern ist durch abstrakte Zitaten der vergangenen Formen mit dem Historismus in Beziehung gestanden. Mit der Erkenntniss dieses Hintergrunds konnte der "unklare Stil" des Opernhauses in Wien positiv beurteilt werden. Dieser Beitrag versucht es durch eine Untersuchung der baulichen Merkmale zu interpretieren, warum der Stil des Opernhauses in Wien unklar ist. Beleuchtet wird nicht nur der Stilcharakter des Gebaudes selbst, sondern auch die Theorien um den Stilstreit der Architektur in 19. Jahrhundert ebenso wie der Gedanke zum das Ornament wie ihn der Architekt van der Null entwickelt.

著者

石田 美紀

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.49, no.4, pp.59-70, 1999

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La nave bianca (1941), il primo lungometraggio di Roberto Rossellini, Viene considerato come una delle origini del neorealismo che e il movimento cinematografico del secondo dopoguerra, anche se il Centro ministero navale lo produsse con l'intenzione della pubblicita per le armi navali. Perche questo film venne prodotto nella maniera che assomiglia a quella del neorealismo (attori non professionali, filmare all' esterni, racconti reali) e la scena della battaglia navale e molto diversa dalla retorica propagandistica. Per o dal punto di vista del suo effetto e del suo significato, ha il carattere assolutamente diverso da neorealismo, infatti e la propaganda eccellente. Usando la strategia di low politics come l'immagine di Elena, una infermiera volontaria, e il racconto d'amore tra lei e Basso, un soldato ferito, questo film pote avvicinarsi agli spettatori e trasmettere il messaggio fascistico piu efficacemente che urlare l'ideologia fascistica. In questo saggio, provo a analizzare la sua mise-en-scene e mettere a fuoco il nuovo problema nell'opera di Rossellini che si cela sotto i discorsi d' auteur, cioe la relazione tra l'immagine delle donne e l'ideologia.

著者

岡本 源太

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.61, no.2, pp.13-24, 2010-12-31

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Dans le De gli eroici furori (1585), Giordano Bruno (1548-1600) interprete la fable d'Acteon, mythe grec d'un chasseur metamorphose en cerf par Artemis (Diane) au bain et dechiquete par sa propre meute, comme destin de ceux qui cherchent a voir la verite divine. Pour cerner l'enjeu de cette interpretation, qui constitue certainement l'un des points forts du De gli eroici furori, le mieux est d'examiner comment Bruno fait face au petrarquisme a travers la variation de la figure d'Acteon. Car, a la Renaissance, la figure d'Acteon se diffusait comme allegorie de la melancolie amoureuse petrarquiste. Mon hypothese est que l'interpretation brunienne de la fable d'Acteon met en cause la conception petrarquiste de l'art comme activite melancolique. Selon Bruno, l'art n'est pas l'activite melancolique qui tente de perpetuer l'aimee, mais le processus des <<vicissitudes>> comme la metamorphose d'Acteon le suggere.

著者

岩城 覚久

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.57, no.3, 2006

著者

米澤 有恒

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.34, no.2, pp.13-23, 1983-09-30

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Die vorliegende Arbeit handelt vom Zeiterlebnis im Geschmacksurteil. Die asthetisch erfahrene Zeit betrachtet man gewohnlich als ein spezielles-ein gleichsam beseligtes Moment. Es ist wahr, dass wir die asthetische Zeit als etwas anderartiges als die alltagliche Zeit empfindet. Was ist das Zeiterlebnis im Geschmacksurteil? Dieser Artikel ist ein Versuch, die Eigenart dieses Zeiterlebnisses, von der Kantischen Zeitlehre geleitet, klar zu machen. Dabei ist es notwendig, der Zeitbestimmung des Schemas entsprechend, das Geschmacksurteil durch Vergleich mit dem Erkenntnisurteil und der Erfahrung des "Angenehmen" zu analysieren ; denn nach Kant macht das Schema die apriorische Bedingung fur alle moglichen Erfahrungen des Menschen aus. Aber die Erfahrung des Angenehmen kann noch nicht Urteil genannt werden, insofern sie nur noch das Wohlgefallen des Sinnesorgans bleibt. Erst durch die wesentliche Funktion der Einbildungskraft, d.h. das Schemaproduzieren, hebt sich hervor die Eigenart des Zeiterlebnisses im Geschmacksurteil. In diesem Urteil wirkt das Schema-produzieren immer "produktiv", wahrend es sich im Erkenntnisurteil bloss "reproduktiv" betatigt. Daraus kann man die Folgerung ziehen, dass wir im Geschmacksurteil die Zeit als das stets gegenwartige Zusammenwirken von der produktiv funktionierenden Einbildungskraft und Verstand erleben.

著者

阿部 美由起

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.51, no.4, pp.13-24, 2001

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Semper diskutiert in seinen Schriften oft den Stoff, was in der Kunstwissenschaft die Einschatzung Sempers als Materialist bewirkt hat. Warum ist aber Semper als Materialist betrachtet worden? Durch die Untersuchung einiger Beispiele der Rezeption Sempers wird in dieser Arbeit versucht, diese Frage zu beantworten. Im Anschluss werden Sempers Schriften analysiert, um zu erklaren, welche Funktion der Stoff- bzw. Materiebegriff in der Semperischen Theorie spielt. Aus dieser Untersuchung ergibt sich, dass der Stoffbegriff Sempers 1) als Schlusselwort fur die Gesellschafts- und Technisierungskritik fungiert und 2) eine wichtige Rolle bei der Erklarung der Entstehung von Kunstwerken spielt. Ein zusatzlich wichtiger Faktor fur Sempers Stoffbegriff ist die Vernichtung des Stofflichen. Desweitern lasst sich sagen, dass die schopferische Kraft des Menschen im Stoffbegriff enthalten ist. Diese vielfaltigen Bedeutungen des Semperischen Stoffbegriffs gehen also weit uber den traditionellen Stoffbegriff hinaus. Da der spezielle Stoffbegriff Sempers die Kultursituation im deutschsprachigen Raum widerspiegelt, lasst sich hinaus ein effektiver Leitfaden fur die weitere Untersuchung des damaligen Meinungsklimas entwickeln.

著者

内野 博子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.61, no.2, pp.73-84, 2010

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Some of Penn's experimental photographs show fluctuant blurs on unanimated objects in the work. These blurs refuse our usual mode of perceiving blurredness. Looking carefully into the nature of this refusal will therefore shed light on our usual perception of photographic images. His experiment in the shooting process consists in a fluctuant temporal-spatial relation between reality and its photographic image within a single shot. The result makes clear two important points of our usual assumption about photography: that the relation between reality and the photographic image is constant at the time of shooting, and that our usual perception of the photographic image relates it to reality only under this shooting condition, that is single moment-single focus. Jonathan Crary articulates in terms of its historical specificity the classical technique of observing modeled on camera obscura. He suggests that the intention of the classical observer determined the specific schema for perceiving objects in the world. If we may extend his theory to our case, single moment-single focus is not only the objective structure specific to the photographic image but also its subjective schema which enables us to perceive time and space of the real world through the image by quantifying them.

著者

村瀬 博春

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.53, no.3, 2002-12-31

著者

長野 順子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.37, no.4, pp.p1-12, 1987-03

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Die meisten Interpreten (cf. J. Kulenkampff, P. Guyer, G. Kohler) behaupten, dass die phanomenologische Analyse der Struktur des asthetischen Urteils den zentralen Aspekt der Kritik der asthetischen Urteilskraft bildet. Meines Erachtens aber geht es besonders in ihrer zweiten Halfte darum zu erklaren, welche Rolle das astheitische Urteil im Ganzheit des menschlichen Lebens spielen muss wenn der Mensch fur die Gesellschaft bestimmt sein soll. Der Kernbegriff ist der "allgemeinen Mitteilbarkeit" des Gemutszustandes oder des Gefuhl der Lust in gegebener Vorstellung. Schon seit langem war die "Geselligkeit" oder "Sozialitat" der unentbehrliche Faktor bei Kants fruher Theorie der Schonheit, wie gezeigt in seiner Vorlesungen uber Logik und Anthropologie um 1770. Aber in der ausgereiften Asthetik von seiner kritischen Philosophie, wahrend die Beziehung auf Gesellschaft den Geschmack zum blossen Mittel zur Verbindung oder sogar Konkurrenz mit anderen machen konnte, ist dem Begriff der allgemeinen Mitteilbarkeit eine ganz neue Bedeutung und eine wesentliche Funktion gegeben. Diesem Begriff liegt sensus communis (die Idee eines gemeinschaftlichen Sinnes) zugrunde, welcher durch die "Operation der Reflexion" dem Menschen moglich macht, sich in die Stelle jedes anderen zu versetzen, und so auf die allgemeine Gemeinschaft der Menschheit als einer Gattung, zielt. Fur Kant ist das Wesen des asthetischen Urteils die Beforderung der "Kultur der Gemutskrafte" zur "der Menschheit angemessenen Geselligkeit".

著者

柳沢 史明

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.58, no.3, pp.14-27, 2007-12-31

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Les arts chez Georges Bataille sont souvent lies a la conception ontologique et existentielle d' "angoisse". L'angoisse, pour Bataille, est le sentiment d'un danger qui visite l'homme qui s'affronte a la mort. Par ailleurs, en eveillant les attentions sur la mort habituellement cachee, elle est aussi le sentiment de l'attente de franchir la vie quotidienne et "un monde avare". Toutefois, bien que l'intention d'introduire les elements de mort (i.e., l'angoisse, la souffrance et la douleur) soit cruciale dans la vie quotidienne, il faut eviter que la vie soit menacee excessivement. Et alors, pour raison d'equilibre entre la vie et la mort, Bataille dit qu'on doit recourir aux "tricheries", c'est a-dire, aux arts. Selon Bataille, le pouvoir de l'art concerne l'effet d'evocation. Compte tenu de l'usage de (revocation), qui autrefois principalement signifiait "appeler les morts par la magie", Bataille considere l'evocation comme une apparition intime de ce qui n'est ni substantiel ni accessible. La mort en est un exemple. Par l'evocation, qui est un procede indirect mais done assure la vie, l'art permet aux hommes l'acces inacheve a la mort. activement et volontairement.

著者

Kanata S.

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.14, no.2, 1963-09-30

著者

三本松 倫代

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.58, no.3, 2007-12-31

著者

山口 和子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.42, no.2, pp.69-72, 1991-09-30

著者

西井 奨

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.64, no.2, pp.168, 2013-12-31 (Released:2017-05-22)

著者

定金 計次

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.46, no.3, pp.1-11, 1995-12-31 (Released:2017-05-22)

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There is the general misconception that all Indian art is religious. In India, however, secular painting achieved development equal to that of religious sculpture. If we survey the history of Indian painting from the Ajanta murals through pre-modern miniatures, it becomes evident that a consistent pattern permeates the tradition. While down-playing natural surroundings, Indian painting invariably focuses around human figures, especially those with the procreative powers of youth. The mithuna, or generative young couple, appears repeatedly as primary subject matter and is often expressed as the young Radha and Krsna in pre-modern paintings. An auspicious symbol of procreation, the mithuna dates back to primitive religions, thus linking Indian secular art and religion. The idealization of youth is also evident in Indian sculpture. Throughout history, most Indian divinities have been represented in the forms of young people-the Indian people regarded age sixteen as their ideal. This tendency influenced not only the growth of Tantrism in Indian religious thought but also the propagation of cults of boy-gods in Indian religions. Adoration of youth thus popularized Krsna and Karttikeya in Hinduism and Manjusri in Buddhism.

著者

辻 惟雄

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.29, no.3, pp.49, 1978-12-30 (Released:2017-05-22)

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As has long been discussed from various points of view, a close relationship exists between art and play. The materials for such discussions, however, have been limited for the most part to the works of western arts. In this paper I would like to point out that such materials have also abundantly existed throughout the history of Japanese painting. In proof of the existence of play moment in Japanese art, at first we shall focus our attention on paintings in the late Heian Period, especially Oko-e, the extempore caricature drawings-executed in a light and easy style-which were popular among 11th century aristocrats. These Oko-e served as the model for later comic descriptions found in master handscroll works in the 12th century such as "Shigisan-engi Emaki", "Chojugiga", "Jigoku-zoshi" and so on, because of their fluencies and vividnesses in describing style. Secondly is considered in this paper the existence of the curious art critic known as "Enan-ho" ("Picture-Accusing Priest") who played the clown at Court, works of pornographic caricature called Osokuzu-no-e, and the trompe-l' 〓il of waterfall which was painted on the wall of a noble's hermitage for the purpose of astonishing guests. Finally we might point out that the spirit of playfulness also existed vividly in paintings of the Edo Period.

著者

杉山 卓史

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.61, no.2, pp.1-12, 2010-12-31 (Released:2017-05-22)

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"Alltagsasthetik" ist eines der neuen Gebiete der Asthetik. Das ist ein Ergebnis des seit dem Ende des letzten Jahrhunderts versuchten Verstandnisses der Asthetik als der Theorie der sinnlichen Erkenntnis, welches ihre Gegenstande nicht auf die Kunst und das Schone beschrankt, und sucht das Asthetische aus alltaglichen Dingen zu sehen. Ist das aber bloss Erweiterung der Gegenstande oder Anwendung der Methode der traditionellen Asthetik auf alltagliche Dinge? Auf diese Frage mochte ich in diesem Aufsatz am Beispiel der Asthetik und Rhetorik des Geldes (2002) von Gottfried Gabriel, einer Pionierstudie der "Asthetik des Geldes", antworten. Gabriel versucht aufzuzeigen, wie sich die quantitative Grosse Geld der asthetischen Qualitaten bedient hat. Diese Fragestellung ist deshalb von Bedeutung fur die "Alltagsasthetik", weil sie das Dogma der modernen Asthetik dekonstruieren will, dem zufolge das Asthetische nicht in Materie sondern in Form bestehe. Andererseits behauptet er aber durch den Vergleich der Pfennig-Munzen der BRD und DDR, dass die Kontinuitat der Munzbilder die Abwertung der Munzmaterien ausgleicht. Das ist eine Zuruckziehung von der Materie zur Form. Es ist der Begriff der "Schwelle" in der von Gabriel kritisierten Philosophie des Geldes (1900) und den anderen gleichzeitigen kleinen Schriften von Georg Simmel, der Gabriels Unvollkommenheit erganzt.

著者

青田 麻未

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.70, no.2, pp.1-12, 2019 (Released:2021-05-08)

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I will show how we can frame temporal dimensions of our environments for our appreciation. In contrast to artworks, environments are changing all the time. There is no frame with which to define what is the specific object of appreciation in environments which surround us, and which extend without limit. We have to create our own frames by ourselves. The question is how we frame temporal changes of environments. First, I will classify the changes in two groups: macro- and micro- temporal change. We cannot directly perceive the former, but can with the latter. Although we can perceive micro changes, it is difficult to appreciate them because they are so ordinary for us that we usually do not pay any attention to them. Second, I will introduce Arnold Berleant’s “aesthetics of engagement” to clarify the mechanism of framing these micro changes. Engagement is a kind of aesthetic attitude for appreciating perceptual environmental experiences which consisted of cumulative micro changes. Third, I will elaborate on the role of our activity in framing micro changes. I will distinguish our activities in environments into two levels, and show how aesthetic engagement is related to each level.