著者

具 慧原

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.70, no.2, 2019

著者

益田 勇一

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.46, no.3, pp.54, 1995-12-31 (Released:2017-05-22)

著者

平山 敬二

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.39, no.1, pp.9-21, 1988-06-30 (Released:2017-05-22)

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Schiller teilt das Erhabene in das Theoretischerhabene und das Praktischerhabene, und letzteres in das Kontemplativerhabene und das Pathetischerhabene ein. Das Grundgesetz dieser Einteilung liegt darin, wie die Freiheit im Gegenstand erscheint. Man kann verstehen, dass Schillers Bestimmung des Schonen "Freiheit in der Erscheinung" fur das Erhabene ebenso gultig ist. Die im Schonen erscheinende Freiheit ist die Freiheit in der Zusammenstimmung von der Vernunft und der Sinnlichkeit und die im Erhabenen erscheinende Freiheit ist die Freiheit in der Un-Zusammenstimmung von der Vernunft und der Sinnlichkeit. In beiden Fallen ist die dort erscheinende Freiheit eigentlich das Ubersinnliche in der Erscheinung. Aber im letzteren, nahmlich im Falle des Erhabenen insbesondere kann man sagen, dass das der Ausdruck der moralischen Freiheit ist, da das Ubersinnliche dort im Widerspruch zwischen der Sinnlichkeit und der Vernunft gezeigt wird. Schillers Theorie des Erhabenen begrundet eindeutig die tragische Kunst im Bereich der Asthetik, und zugleich ist sie hochst bedeutungsvoll fur das vollige Verstandnis seiner Gedanken zur asthetischen Erziehung des Menschen und auch zur Betrachtung seines eigenen asthetischen Standpunktes, besonders im Verhaltnis zur kantischen Asthetik.

著者

藤田 治彦

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.54, no.1, pp.14-26, 2003-06-30 (Released:2017-05-22)

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Yanagi Muneyoshi (1889-1961), leader of the Folk-Craft movement of Japan, felt sympathy for William Morris (1834-1896) as the central figure of the Arts and Crafts movement of England. Yanagi's sympathy was not for Morris' aesthetics of crafts but for his life and activities. Yanagi felt that Morris' work and idea of craft was too much art-oriented and suggested that it was Morris who divided the arts into fine arts and crafts, mainly based on his misunderstanding that the Arts and Crafts Exhibition Society was formed and named by Morris. Yanagi asserted that there was no precedent of the combination thus separation of these two words or ideas "arts and crafts" before 1888 when it was established. But, its prime movers were some of Morris' followers such as Walter Crane or W. A. S. Benson, and the term "arts and crafts" was coined by T. J. Cobden-Sanderson. "Arts" of the "arts and crafts" meant "design" rather than "fine art, " while "crafts" meant "handicraft, " judging from the catalogue of its first exhibition and some other related materials. Realizing new movements in rapidly industrializing Europe in the mid-1910's, a group of younger members of the society moved to form the Design and Industries Association. The Arts and Crafts Exhibition Society kept its name until 1959 when it was renamed the Society of Designer-Craftsmen. If it were Morris who divided the arts into fine arts and crafts in England, it was Yanagi who separated them into bijutsu (fine arts) and kogei (crafts) in Japan. The fact is that Morris was worried about the arts fallen apart from one another. Yanagi was also concerned about it. This seems to be a kind of "Oedipus effect, " a term introduced by Karl Popper to describe the influence of a theory or expectation or prediction upon the event which it predicts or describes. Lost in Europe, unity of the arts was also going to be lost in industrializing Japan. It was the time of Japan's occupation of the Korean Peninsula. As Morris had started his lectures on the decorative arts from his activities in the Eastern Question Association mainly dealing with the Balkan Peninsula issues and the Society for the Protection of Ancient Buildings, Yanagi started writing simultaneously on crafts and the protection of historic Korean buildings threatened by Japan's demolition scheme. Though different in their aesthetics, times and places they lived, Morris and Yanagi shared ethics or social ideals, rebellious and activist spirit, as well as the age of worldwide industrializaion and colonization.

著者

植村 耕三

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.8, no.3, pp.45-50, 1957

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Since the latter half of the 19th century, under the influence of evolutionism, the word "progress" or "development" has been used in the history of music, including various ranges of meaning. At the time when the shadow of still deepening mistrust is cast over the dogma of "progress", a further examination about this idea must be required also in the field of music. The present paper investigates the three meanings of the "progress" : that is, (1) complification : (2) increase of technical rationality : (3) increase of value. And it indicates the common fallacy which regards the technical complification in composing as an increase of the aesthetic value.

著者

源河 亨

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.68, no.2, 2017

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Peter Kivy claims, from his early works, that music cannot arouse "garden-varietyemotion" such as joy, anger, fear, sadness. According to him, the emotion aroused bymusic is a special "musical emotion"; the object of this emotion is always music. Thisclaim seems to be counterintuitive and thus elicits many objections from philosophers,musicologists, psychologists, neuroscientists, and artists. However, I will argue thatKivy's position is most plausible given the philosophy of emotion. Especially, I will showthat there is no emotion deserving to be called "sadness" that is aroused by music. Byappealing to philosophical considerations on emotion, I will support the following twopoints that Kivy emphasizes. The first is the lack of an object. There are no sad things(no loss) while we listen to music. If sadness does not occur, the lack of an objectmakes no matter. The second point is the paradox of negative emotion. Sadness has anegative value and we prefer to avoid it. If we can accept this, why then, are we willingto listen to music that make us sad? Again, if sadness does not occur, there arises noparadox.

著者

本田 代志子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.69, no.1, 2018

著者

譲原 晶子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.69, no.1, 2018

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The arabesque, a figure symbolic of ballet, was first defined as body attitude by Italianballet master Calro Blasis. Falcone discusses a strong influence on Blasis' theoryfrom artists who took inspiration from the frescoes of Herculaneum excavated in themiddle of 18th century, when the concept 'arabesque' was introduced into dance. Thisessay revisits the prehistory of arabesque from a different perspective than Falcone's,focusing the close relation of the decorative art to dance from the 17th century,especially its relation to mascarade and dance notation. With this view, I study texts,in which 'arabesque' is referred to, by leading 18-century choreographers Noverre,Dauberval and Pierre Gardel and examine their different interpretations of the term,taking into account the fact that 'arabesque' was a synonym of 'grotesque' at that time.I also delve into the functions of the constructional elements, lines and figures, ofarabesque in the decorative art and how their counterparts of arabesque in ballet work.Finally, regarding arabesque in ballet as a kind of device for transforming the body froma present figure into another, I argue that Blasis' arabesque could first emerge when thedancing body was to be made through technique, not through disguise.

著者

樋口 聡

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.55, no.2, pp.1-13, 2004-09-30 (Released:2017-05-22)

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The question of whether or not sport is art has been discussed by many scholars of the philosophy of sport. Taking this discussion into account, we now know that a simple conclusion regarding sport as art is not adequate, because it is clear that there is a politics of culture concerning sport and art behind the discussion. In this paper, the author summarizes this broader, background discussion as the context for critically reviewing Wolfgang Welsch's paper "Sport-Viewed Aesthetically, and Even as Art?" (XIVth International Congress of Aesthetics, 1998). Specifically Welsch considers modern sport as an example of today's aestheticization of the everyday, and regards sport as art. An important matter we should pay attention to in Welsch's paper is that he proposes two different concepts of art, that is: "art-art" and "sport-art." Welsch's strong point is that he clarifies the ambiguity of the contemporary concept of art and suggests a broad extension of the notion of art beyond the traditional concept of art through the discussion of the relationship between sport and art. Welsch's discussion is based on his idea of "recurrence" to the original meaning of aesthetics, aisthetis.

著者

圀府寺 司

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.39, no.3, pp.49, 1988-12-31 (Released:2017-05-22)

著者

高久 馨

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.61, no.2, 2010

著者

栗山 守正

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.54, no.3, 2003

著者

伊藤 久恵

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.47, no.4, pp.46-57, 1997

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In der letzten Halfte des 19. Jahrhunderts sind verschiedenartige Kunstwissenschaften wie die Wissenschaft fur bildende Kunst erschienen. Man kann auch sagen, dass die empirischen, positiven Kunstwissenschaften der traditionellen Asthetik uberlegen geworden sind. Guido Adler (1855∿1941) war einer der Musiwissenschaftler, die in dieser Zeit gelebt haben und versucht haben, Musikgeschichte als "Wissenschaft" zu systematisieren. Mit in Betracht Ziehung der damaligen Geistes- und Naturwissenschaft war er bemuht, die Methode der Musikgeschichte aufzustellen. Er hat seinen Blick auf die Stilfragen, die damals schon ein Thema in der Wissenschaft fur bildende Kunst waren, gerichtet. In seinen zwei Schriften 『Stil in der Musik』 (1911) und 『Methode der Musikgeschichte』 (1919) hat er den Begriff "Stil" neu in die Musikwissenschaft eingefuhrt. Das Ziel seiner musikhistorischen Forschung war die Erklarung der eigenen Entwicklungsgesetze der Musikgeschichte und der Stilzusammenhange in musikalischen Werken. Er hat dadurch den neuen Gedanken "Stilkritische Musikgeschichte" gepragt.

著者

小林 信之

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.49, no.1, pp.1-12, 1998-06-30 (Released:2017-05-22)

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Das Thema "Martin Heideggers Denken und das asthetische Problem des Schonen" weckt vielleicht den Eindruck, als seien hier zwei sich fremden Sachen zwangsweise zusammengefugt worden. Aber die Frage nach dem Wesen des Schonen und der Kunst spielt eine einschneidende Rolle in der denkerischen Wende Heideggers in der Zeit seiner "Nietzsche"-Vorlesungen. In dieser Abhandlung beschaftigte ich mich besonders mit der zum erstenmal von Kant getroffenen Bestimmung des Schonen auf Grund des Wohlgefallens "ohne alles Interesse". In dieser Interesselosigkeit im Schonen, die danach wiederum von Schopenhauer in bestimmter Weise ausgelegt und spater von Nietzsche in Zur Genealogie der Moral scharf kritisiert wurde, sieht Heidegger "die hochste Anstrengung unseres Wesens" und "die Befreiung unserer selbst zur Freigabe dessen, was in sich eine eigene Wurde hat." Zwar gehoren fur Heidegger, sowohl die Kantische Asthetik des Schonen als auch Nietzsches Lehre von "Wille zur Macht" als Kunst zur neuzeitlichen Subjektivitat und damit in die Geschichte der abendlandischen Metaphysik, aber er weist zugleich darauf hin, dass die dort angesprochenen asthetischen Zustande ("Lust der Reflexion" bei Kant und "Rausch" bei Nietzsche) die Moglichkeit eines wesentlichen Bezugs zum Sein eroffnen. In dieser Hinsicht kann man ein ambivalentes Verhalten Heideggers zum abendlandischen Begriff des "Schonen" erkennen.

著者

輪島 裕介

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.52, no.4, pp.70-83,90, 2002-03-31

著者

望月 典子

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.52, no.4, pp.29-42, 2002-03-31 (Released:2017-05-22)

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Le Testament d'Eudamidas a ete peint par Poussin dans la seconde moitie des annees 1640 pour Michel Passart. Le tableau nous montre, suivant le recit de Toxaris ou De l'amitie de Lucien, le soldat Eudamidas dictant ses dernieres volontes sur son "lit de mort". Il s'agit d'un episode concernant l'amitie, mais que l'on ne peut comprendre a partir de la seule image. Cet article voudrait proposer l'idee que Poussin a eu l'intention de representer un modele de la bonne mort pour inviter les spectateurs a vivre toujours calmement en pensant la mort. Le mode de vie stoicien etait repandu chez les bourgeois de Paris comme Passart. Cette hypothese est verifiee par rapport au "Ars Moriendi" apparu au XVe siecle et qui connut un regain de popularite au XVIIe siecle. Ces livres de foi montraient aux fideles un modele de la mort du bon chretien. En outre, le fait que ce tableau etait en harmonie avec "le mode dorique" convenable aux sujets severes, indique qu'il avait une fonction moralisatrice. D'apres "la theorie des modes" developpee par Poussin en 1647, l'accord entre le sujet et le mode produit de "merveilleux effets" sur les spectateurs. Ces remarques sont extraites du traite de musique de Gioseffo Zarlino, selon lequel l'effet du mode dorique etait d'eveiller chez nous la prudence et la vertu.

著者

住川 鞆子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.38, no.3, 1987-12-31

著者

笠原 潔

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.46, no.3, 1995

著者

土田 耕督

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.69, no.1, 2018

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In the beginning of the thirteenth century, during the Shin-kokin period, waka poetsfollowed classicism, reusing words and subjects from old poems. At the same time, theywere in pursuit of atarashiki kokoro, or new content. New kokoro does not representperfect newness that has never been composed; it represents content that overlaps withthe classics. Moreover, the word atarashi has ambiguity; while new content is indeedideal, novel subjects and how to use words are avoided. On the other hand, the wordmezurashi means a kind of unexpectedness achieved by using old words in differentcontexts from past works. Mezurashi becomes especially significant in post-Shin-kokinwaka.Nevertheless, since the fifteenth century, old poetry has begun to be ignored, and thefocus has shifted to the kokoro of an individual poet. Atarashi, implying a newness thatnobody has composed before, is emphasised and involves mezurashi. Such idealisationof novelty, which is regardless of differences from the old, brings the modern meaningof 'originality' to medieval waka.However, the classicism of waka never died until the modern era. Autonomoussystems that identify differences from the classics as a norm have existed; thereby wakahas acquired the extendibility and sustainability of composition.

著者

前田 富士男

出版者

美学会

雑誌

美学 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.23, no.3, 1972

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Die Kunsttheorien und Werke von Klee wahrend der Bauhaus-Zeit zeigen uns, dass der Begriff der Gliederung in seinem bildnerischen Denken eine grosse Rolle gespielt hat. Bei Klee bedeutete die Gliederung ursprunglich einen Prozess der Schaffung, der durch die Zusammensetzung der formalen Elemente Einzelheiten zu einem Ganzen werden liess. Der Kunstler hat diesen Prozess als die Synthese einer dividuellen und individuellen Gliederung begriffen. Doch befindet sich die dividuelle Gliederung, die einen mathematischen, konstruktiven Charakter hat, in dem Urzustand des Schaffungs prozesses und wird auf dem Weg des Arbeitsprozesses zur lebendigen, individuellen Gliederung erhoben. Dieser Gliederungsbegriff ermoglicht, dass Klee den schopferischen Weg begreift als den werdenden Prozess, die Beseelung der mathematischen Grundform, das Fortschreiten vom Statischen zum Dynamischen. Aber die Notwendigkeit der Kompositionsweise beruht nicht nur auf der inneren Notwendigkeit des Malers, sondern auch in der Resonanz der Gesetzmassigkeit schaffender Naturkraft. Der Verfasser stellte durch die Analyse von zwei Gemalden, "Scheidung abends" und "Wachstum der Nachtpflanzen", diesen Gliederungsbegriff als die Eigenschaft der Formensprache von Klee dar.