著者

樋口 聡

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.55, no.2, pp.1-13, 2004-09-30

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The question of whether or not sport is art has been discussed by many scholars of the philosophy of sport. Taking this discussion into account, we now know that a simple conclusion regarding sport as art is not adequate, because it is clear that there is a politics of culture concerning sport and art behind the discussion. In this paper, the author summarizes this broader, background discussion as the context for critically reviewing Wolfgang Welsch's paper "Sport-Viewed Aesthetically, and Even as Art?" (XIVth International Congress of Aesthetics, 1998). Specifically Welsch considers modern sport as an example of today's aestheticization of the everyday, and regards sport as art. An important matter we should pay attention to in Welsch's paper is that he proposes two different concepts of art, that is: "art-art" and "sport-art." Welsch's strong point is that he clarifies the ambiguity of the contemporary concept of art and suggests a broad extension of the notion of art beyond the traditional concept of art through the discussion of the relationship between sport and art. Welsch's discussion is based on his idea of "recurrence" to the original meaning of aesthetics, aisthetis.

著者

福田 敬

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.48, no.2, pp.13-24, 1997-09-30

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N. Hartmanns Asthetik hat die Zweischichtigkeit des asthetischen Gegenstandes eingefuhrt : ein realer, die Sinne ansprechender Vordergrund und ein irrealer, hinter dem Vordergrund auftauchender Hintergrund. So definiert sich bei ihm das Erscheinungsverhaltnis des Schonen. Diesen Grundsatz hat Hartmann aus den von Menschen geschaffenen Kunstwerken gezogen. Bei einem Naturgegenstand kann von keinem produzierenden Geist die Rede sein. Das Erstaunliche ist aber das Auftreten von Formen, bei denen ein fur den Betrachter durchsichtiges Erscheinungsverhaltnis zu bestehen scheint. Um dieses metaphysische Ratsel, nach der Abstreifung aller systematischer Metaphysik, im Naturshonen zu losen, hat Hartmann sein Problemdenken der neuen Ontologie vorgelegt. Das heisst, "Im Grunde ist alles Erleben von Schonheit von weltanschaulicher Bedeutung : eben dadurch, dass es sinngebend fur unser Leben ist." Obgleich die Strukturanalyse des asthetischen Naturgegenstandes eben nicht eine Einigung mit der des Kunstgegenstandes zulasst, muss alles naturgewachsene Schone nicht herabgesetzt werden. Vielmehr konnte man sagen, dass das Naturschone die Urquelle allen asthetischen Erlebens, einschliesslich allen schopferischen kunstlerischen Tuns, ist.

著者

大熊 治生

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.52, no.3, pp.85-87, 2001-12-31

著者

柿木 伸之

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.53, no.3, 2002-12-31

著者

篠原 資明

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.33, no.1, pp.64-67, 1982-06-30

著者

沼尻 真理子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.33, no.3, 1982-12-31

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Nous voulons analyser l'espace particulier d'un tableau de Rene Magritte, intitule "La trahison des images", et compose par deux elements-l'image et l'ecriture-. Or, il y a, nous semble-t-il, une analogie entre la peinture figurative et la prose, parce que ces deux sont des systemes de connotation, dont les connotateurs, "analogon" et "ecriture", ont une communaute : la qualite visuelle. Parce que cette analogon est inseparable de la structure totale de la peinture figurative et fonctionne aussi comme le signifiant au signifie dernier, ce serait impossible de la regarder comme une connotation pure. L'analogon de ce tableau de Magritte a le caractere de l'Image isolee, et pouvons penser que cette image n'est pas creee mais "citee". Ainsi, l'espace de ce tableau, compose par deux sorte des signes "cites", n'est pas l'espace total et clos d'une oeuvre d'art mais celui d'un "texte". En ce texte, le message de l'ecriture ne fonctionne pas comme l'ancrage de signification de l'image mais coupe la liaison entre ces deux et evoque l'ambiguite. En lisant ce texte, nous participons a la signifiance (au sens de Barthes), qui est produite elle-meme par nous en chaque lecture.

著者

小穴 晶子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.33, no.2, pp.76-77, 1982-09-30

著者

三宅 秀和

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.55, no.3, 2004-12-31

著者

篠原 聰

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.55, no.3, 2004-12-31

著者

長野 順子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.32, no.1, pp.51-61, 1981-06-30

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Im zweite Schritt der Kants Analyse der asthetishcen Urteilskraft handelt es sich um den Anspruch auf die subjektiven Allgemeingultigkeit, den das Urteil uber das Schone erheben musse. Die Aufklarung dieser scheinbar paradoxen Bestimmung <<die subjektive Allgemeingultigkeit>> soll, meine ich, die wesentliche Struktur des asthetischen Urteils ins klare bringen. Die Lust, die der Bestimmungsgrund des asthetischen Urteils ist, grundet sich selbst auf dem freien Spiele der Vorstellungskrafte zu einer Erkenntnis uberhaupt. Diese Vermogen-die Einbildungskraft fur die Anschauung und der Verstand fur den Begriff-sind beide fur menschliche Erkenntnis unentbehrlich. Und ihre Stimmung als subjektive Bedingung des Erkennens muss sich ebensowohl allgemein mitteilen lassen, als es eine jede bestimmte Erkenntnis ist. Nun die harmonische Stimmung oder das freie Spiel hat hierbei, ohne jede Einschrankung des bestimmten Begriffs, die zutraglichste Proportion zur Belebung der beiden Vermogen untereinander. Dieses freie Spiel macht das ursprunglichste Seinsmodus des gegen dem Objekte stehenden Subjekts uberhaupt aus. Also ist der Allgemeinheitsanspruch des asthetischen Urteils nichts anderes als die Behauptung einer Allgemeinheit der Subjektivitat unseres Subjekts.

著者

佐々木 健一

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.58, no.3, 2007-12-31

著者

益田 朋幸

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.43, no.4, pp.12-22, 1993-03-31

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How did the Byzantine illuminators interpret and visualize the beginning phrases of John's Gospel? The aim of this article is, through investigations of Byzantine Gospels and lectionaries from the eleventh century, to establish the correspondence between text and image. The iconographic types can be grouped as follows : a. John the Evangelist (Morgan 639 ; Venice, Hellenic Institute Cod. gr. 2) ; b. Christ Emmanuel (Athens 68) ; c. Christ Pantocrator (Athens 68 and 190) ; d. the Ancient of Days (Istanbul, Patriarchate 8) ; e. Moses and the Crucifixion (Paris. suppl. gr. 27). The Cod. 68 at Athens adopts two aspects of Christ, Emmanuel and Pantocrator. The Cod. Paris. gr. 64 can be placed as the combination of the types c-d, and the Cod. 587 of the Dionysiou Monastery on Mt. Athos as that of the types b-d. If the hypothesis that the two manuscripts, Paris. gr. 64 and Dionysiou 587, are the products of the same atelier is accepted, we can assume that in an atelier of the eleventh-century Constantinople, three types of Christ (Pantocrator, Emmanuel and the Ancient of Days) were used as the illustration of John's first verses. Perhaps John's headpiece in Paris. gr. 74 is copied from a lost lectionary with the frontispiece representing three types of Christ.

著者

浜下 昌宏

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.36, no.4, pp.13-23, 1986-03-31

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We must ascertain the position of Gerard in the 18th-century British aesthetics. Among the contributions Gerard has made to aesthetic theories, the most distinguished is, in our view, his associationist aesthetics. His theory of association is made up of the two renovated conceptions : imagination and association of ideas. First, imagination is, to Addison, a faculty of aesthetic perception, which is identified with Hutcheson's concept of an internal sense of beauty. In contrast, Gerard thinks imagination to be a faculty of an association of ideas. Second, association is, to Locke, a cause of a false judgement, and to Hutchson, it is only an accidental cause of a variety of taste. It means little in aesthetics. But, to Gerard, association has a much more positive significance. It enables us to appreciate the aesthetic by associating some aesthetic quality with its related meaning. Imagination, by associating ideas, makes up for the loss of memory and goes further to produce a whole of images which are not in reality. Thus, according to Gerard, imagination is indispensable both in taste and in genius.

著者

今山 正幾

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.51, no.2, pp.49-60, 2000-09-30

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"L'Atelier de peintre" (1855) de Gustave Courbet est une allegorie qui ne suivent presque jamais la tradition iconographique et c'est pour cela que cette peinture produit beaucoup d'interpretations variees. Dans cet article, nous eclaircissons la signification du motif d'une femme avec son enfant, et reexaminons l'intention du peintre, en mettant cette oeuvre dans le context de l'histoire de l'art au milieu du XIX^e siecle. Une femme nue derriere Courbet dans la partie centrale de cette oeuvre est interpretee comme l'allegorie de 'la Verite', et liee au groupe de droite comme motif reclamant la signification du realisme. La femme avec son enfant, qui fait contraste avec la femme nue, est consideree comme la reflexion de l'idee socialiste de Courbet et l'allegorie de 'la Charite' liee au groupe de gauche. Bien qu'au milieu du XIX^e siecle, on ait utilise le theme de 'la Charite' et le motif d'une femme allaitant un enfant, on a peint aussi l'allegorie qui depassait le theme chretien. La relation entre la nourrice et le groupe de gauche dans "L'Atelier de peintre" est consideree comme l'allegorie du theme appele la charite humanitaire ou la charite sociale.

著者

丹尾 安典

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.29, no.3, 1978-12-30

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Gauguin a peint 4 tableaux sur le theme de femme nue couchee-"La Perte du Pucelage" (vers 1891), "MANAO TUPAPAU" (1892), "TE ARII VAHINE" (1896), "NEVERMORE" (1897). Bien que ce ne soit pas un nu, on peut ajouter en plus, "TE TAMARI NO ATUA" (1896), comme oeuvre similaire. Il semble qu'il y ait un rapport etroit entre "Olympia" de Manet et ces oeuvres. Gauguin l'avait copie vers 1891. Mais selon nous, cette copie s'etait faite a l'intention de resoudre les problemes picturaux que posait "La Perte du Pucelage" plutot que par admiration pour Manet. Le resultat apparait clairement dans "MANAO TUPAPAU". Dans ces deux tableaux, le theme de femme nue couchee et ses elements deja se revelent. Dans le premier tableau se trouve le renard a l'intention de deshonorer le pucelage de la jeune fiille et dans le deuxieme, elle est effrayee par l'esprit des morts ; c'est une variation du theme "Paradis perdu" qu'il avait commence a peindre depuis l'an 1889. Les el ments en sont, la femme nue couchee, la nature, la fleur, l'animal, la figure sinistre, l'interieur et le lit. Apres "TE ARII VAHINE" et "TE TAMARI NO ATUA", Gauguin a reussi a inclure tous ces elements dans un tableau unique, a savoir "NEVERMORE". Gauguin en est arrive a ce chef-d'oeuvre plein d'originalite en evitant le fort contraste qu'on trouve dans "Olympia" par exemple. Les chercheurs ont compte les tableaux de Manet, Bernard et Cranach comme des oeuvres en rapport avec ses tableaux de femme nue couchee. Nous pouvons egalement en ajouter un, "La Femme a la Puce" de Cezanne. Il nous semble que ce tableau a exerce une grande influence sur cette serie, car il l'a possede dans sa collection et qu'il l'a rapporte de Copenhague a Paris en 1891 ou il a peint deux oeuvres de femme nue couchee, "La Perte du Pucelage" et la copie de "Olympia".

著者

松友 知香子

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.59, no.2, pp.86-99, 2008-12-31

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Der Engel, den P. Klee (1879-1940) in seinen letzten Lebensjahren dargestellt hat, bedarf einer Untersuchung, die nicht nur auf seine individuelle Lebensgeschichte und seine psychologische Probleme, sondern auch auf die geistesgeschichtliche Situation seiner Zeit bezogen wird. In diesem Zusammenhang ist darauf zu achten, dass seine Engel-Bilder in einem engen Zusammenhang mit seinen Stadt-Bildern zu stehen scheinen. Zeitlich treten die erstere am meisten gegen Ende der dreissiger Jahren auf, wahrend die letzteren meistens in zwanziger Jahren hergestellt wurden. Inhaltlich betrachtet, kann die oft in den Stadt-Bildern dargestellte "Scheibe" so angesehen werden, dass sie in ihrer symbolischen Bedeutung spater mit der Gestalt des Engels ersetzt wird. Die beiden drucken dieselbe Atmosphare aus: die Hoffnung auf das bessere und die Angst um das miserable Leben, die Sehnsucht nach der verlorenen Natur, die Furcht vor dem heranschleichenden Schicksal der Katastrophe usw.. Der Ubergang von der Stadt-Bilder zur Engel-Bilder ist im Hinblick auf die bildnerischen Charaktere zu verfolgen. Der Grund fur den Wechsel der zwei Motive soll aber auch, wie oben gesagt, in vielschichtigen Perspektiven erklart werden. Der Engel stellt direkter und konkreter aus, was die "Scheibe" in den Stadt-Bildern symbolisch darstellt. Weiterhin: Klee's Engel ist geistesgeschichtlich im Hinblick auf den historischen Wandel der Auffassung des Engels der Neuzeit in Betracht zu ziehen.

著者

小林 信之

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.38, no.4, pp.13-24, 1988-03-31

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Auf seinem ganzen Denkweg, der entscheidend durch die Seinsfrage bestimmt wurde, stellt sich Heidegger auch die Frage nach dem Raum. In Sein und Zeit wird die Raumlichkeit des Daseins thematisiert, d.h. der von der "ausrichtenden Entfernung" geoffnete Spielraum des Daseins selbst im Umkreis des "nachstbesorgten Zeugganzen". Aber diese Analyse soll die Frage nach der "Verkoppelung" von Raum und Zeit erst vorbereiten. Das Eigentumliche des Raumes muss verhullt bleiben, solange die Interpretation des ontologischen Sinnes von Sein uberhaupt als Zeit nicht durchgefuhrt wird. Dagegen wird in Heideggers spaten Denken das Sein des Dinges schlechthin als der Ort aufgefasst, der die eigentliche und ursprungliche Welt (das Geviert) "versammelt". Und Dinge, die in diesem Sinne "Orte" sind, geben jeweils erst Raume frei. Das Hervorbringen solcher Dinge ist Bauen im Sinne der ursprunglichen Kunst (griechisch techne). In Die Kunst und der Raum ist die Rede vom "Zueinanderspiel" von Kunst und Raum als einem aus physis zu denkenden Urphanomen. Am Beispiel des plastischen Gebildes sieht Heidegger den kunstlerischen Raum unter drei Aspekten (dem vom Werk "freigegebenen" Raum uberhaupt, dem Volumen, der Leere). Wenn die Kunst das Ins-Werk-Bringen der Wahrheit ist, wird dann nicht das Eigentumliche des "wahren" Raumes erst durch das Kunstwerk "entborgen"?

著者

谷古宇 尚

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.58, no.3, 2007-12-31

著者

津上 英輔

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.54, no.3, 2003-12-31

著者

Asanuma K.

出版者

美学会

雑誌

美學 (ISSN:05200962)

巻号頁・発行日

vol.11, no.3, 1960-12-20